The Velvet Underground

The Velvet Underground es una banda de rock que ha sido formada en 1964 en Nueva York (Estados Unidos).

La historia de la banda comienza cuando Lou Reed (composición, voz, guitarra, piano y armónica) y John Cale (bajo, viola eléctrica, órgano y coros) deciden formar una banda con el nombre de The Primitives. Más tarde, se incorporaron Sterling Morrison (guitarra y bajo) y Angus McLise (percusión) al grupo. Con ellos, nace The Warlocks que un tiempo después terminan siendo The Falling Spikes. Finalmente, extraen un nuevo nombre del título de un libro y terminan siendo The Velvet Underground. 

Lou Reed.

Un año más tarde, graban una demo y aceptan un contrato para tocar de teloneros de otra banda. McLise no estaba de acuerdo con eso y abandonó la banda. Su lugar lo acaba ocupando Maureen Tucker. Por otra parte, Andy Warhol se convierte en el productor del grupo y gracias a él consiguen un mayor reconocimiento y firman con la discográfica Verve Records.


La banda se convierte en un grupo conocido por su sonido psicodélico particular y a sus letras, que hablaban de temas como el sadomasoquismo, el travestismo y la adicción a la heroína. 

John Cale.

Tras un tiempo, Andy les sugiere que toquen en conjunto con la cantante alemana Nico. Los integrantes del grupo aceptan y pasan a llamarse The Velvet Underground And Nico.

En 1966, McLise regresa al grupo para tocar en algunos conciertos debido a que Lou Reed se encontraba enfermo de hepatitis. 

Un año más tarde lanzan su álbum debut llamado: "The Velvet Underground and Nico". La portada del disco fue diseñada por Warhol, quien además filmó a la banda ensayando con el resultado de una película llamada: "The Velvet Underground & Nico: A Simphony of Sound".

Poco tiempo después, Lou Reed se pelea con Warhol y con Nico, con lo que la sociedad queda truncada.

Maureen Tucker.

Sterling Morrison.

En 1969, Reed y Cale discutieron lo que hizo que el grupo se separe. Todos votaron para que Reed se quede y Cale, decide alejarse de la banda y es reemplazado por el bajista Doug Yule.

En 1970, Maureen Tucker se encontraba ausente debido a su embarazo y tuvo que ser reemplazada en los estudios por Doug Yule, Adrian Barber, Tommy Castanaro y Billy Yule.

A finales de año, Lou Reed se separa de la banda y en 1971, Sterling Morrison también se aleja de la banda. Es entonces cuando Doug Yule toma el liderazgo del grupo.

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Curiosidades sobre The Velvet Underground

En The Velvet Underground, cada vez había más tensión por la poca atención del público. Además Lou Reed sentía envidia hacia John Cale por el gran talento que él tenia. John Cale estudiaba música clásica y había compuesto por primera vez a los ocho años. Reed, lo que hizo fue preguntarles a los demás componentes del grupo, lo siguiente: "¿Cale o yo?". Ya os podéis imaginar la respuesta si el que ocupó el puesto de Reed fue Doug Yule.

Doug Yule.

El grupo volvió a reunirse en 1993 e hicieron varias veces de teloneros para U2. Antes de que la banda tuviera la oportunidad de grabar un disco, John Cale y Lou Reed volvieron a separar la banda. 
Una famosa frase que resume de forma clara la enorme influencia de The Velvet Underground en el rock es la siguiente de Brian Eno: "Pocos escucharon a The Velvet Undeground, durante su corta existencia, pero todos los que lo hicieron formaron una banda."



The Velvet Underground tuvieron que compartir cartel con Frank Zappa & The Mothers Of Invention. Las pretensiones de ambos chocaron frontalmente y desde entonces, Lou Reed de Zappa dijo que era la única persona sin talento que había conocido. 

John Cale y Lou Reed.

Nico dijo que tenía cosas más importantes que hacer. Sin embargo, cuando la banda actuó en Boston, Nico, arrepentida de su decisión, apareció a pie de camerino justo cuando The Velvet Underground tocaba la última canción y quiso subir a cantarlo, pero el grupo se negó y aquí se acabó definitivamente la relación entre ambas partes.

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Marte, el portador de la guerra de Gustav Holst

Esta composición musical fue presentada en 1918 por Gustav Holst. Es la obra más conocida de este compositor, ademas ha sido muy utilizada en series y películas. Esta composición refleja de manera magistral el poderío de las guerras.

Gustav Holst es un compositor inglés de origen sueco. Discípulo de Charles Villiers Stanford en el Colegio Real de Música londinense, llegó a ser, como su maestro, un apasionado folklorista. Luego de haber sido músico de orquesta durante algún tiempo, a partir de 1903 se dedicó a la enseñanza, actividad que ejerció primero en Dulwich, más tarde en el "Morley College", y, finalmente, como maestro de composición, en el Colegio Real de Música.

Es el autor de una de las páginas más interpretadas y grabadas del repertorio: Los planetas, que en cierto sentido ha oscurecido, si no eclipsado totalmente, el resto de su producción. Mostró durante toda su vida un creciente interés por la filosofía y la cultura hindúes, que inspiraron algunas de sus composiciones más importantes, como la ópera de cámara Savitri, que llegaría a ejercer una profunda influencia en los compositores más jóvenes, con Benjamin Britten a la cabeza. 

Los planetas, pieza que ha inmortalizado el nombre de Gustav Holst, se abre con los violentos y apocalípticos acordes de Marte, el portador de la guerra, movimiento en forma de marcha que, en el momento del estreno (1918), fue considerado una alusión a la Primera Guerra Mundial. Otros seis más, dedicados a otros tantos planetas (Venus, Mercurio, Júpiter, Saturno, Urano y Neptuno) completan esta suite en la que su autor expresó su pasión astrológica. Compuesta entre 1914 y 1918. Los planetas es una obra desarrollada en forma de poema sinfónico, con precisas referencias literarias: se interpreta el significado esotérico ritual de cada planeta, a menudo diverso de la imagen mitológica. Marte aparece como portador de la guerra y Mercurio como mensajero alado; pero Venus es portadora de la paz, y sobre todo Júpiter es portador de alegría, en un sentido casi dionisíaco; Neptuno es el místico que acompaña a Saturno, portador de la vejez, y a Urano el mago.

Holst redujo la copiosa materia de una antigua leyenda hindú al núcleo temático del amor que vence a la muerte, subrayando el carácter místico-emotivo de la leyenda, y aplicó su criterio de simplificación a toda la redacción de la partitura: desde las proporciones del "conjunto instrumental" de la orquesta (la obra es, en efecto, presentada como "poema para tres voces y coro invisible con acompañamiento de un doble cuarteto de cuerda, siete flautas y corno inglés") hasta la sencillez de la interpretación musical, que dio a la obra una real eficacia poética.

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Bolero de Maurice Ravel

Esta composición musical fue creada por Maurice Ravel, un compositor francés, en 1928. Fue estrenada en París el 28 de noviembre de 1928. 
Es un movimiento orquestal inspirado en una danza española, se caracteriza por un ritmo y tempo invariables, con un ostinato en do mayor que se repite en un crescendo que se acaba con una modulación a mi mayor y una coda escandalosa.

Esta obra tiene una gran originalidad y es una de las obras musicales más interpretadas del mundo.

Maurice Ravel es el gran representante de la moderna escuela musical francesa. Es conocido por Bolero, su obra más conocida. Stravinsky lo definió con acierto como "el más perfecto relojero de todos los compositores".

Inició sus estudios musicales a una edad relativamente tardía, cuando contaba siete años, siete más tarde, en 1889, fue admitido en el Conservatorio de París, donde recibió las enseñanzas, entre otros, de Gabriel Fauré.

Su interés se centró pronto en la composición, campo en el que dio muestras de una gran originalidad desde sus primeros trabajos, como la famosa Pavana para una infanta difunta.

Personaje complejo, en él convivían dos tendencias contrapuestas y complementarias: el placer hedonista por el color instrumental y una marcada tendencia hacia la austeridad que tenía su reflejo más elocuente en su propia vida, que siempre se desarrolló en soledad, al margen de toda manifestación social, dedicado por entero a la composición. Sus dos conciertos para piano y orquesta, sombrío el primero en re menor, luminoso y extrovertido el segundo en Sol mayor, ejemplifican a la perfección este carácter dual de su personalidad.

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Análisis de 'Take five' de Dave Brubeck

Obra y autor: Take five de Dave Brubeck
Género: instrumental.
Estilo: Jazz.
Formación: orquesta sinfónica. 
Movimiento: allegro.
Dinámicas: la intensidad y el volumen aumentan y disminuyen a lo largo de la canción.
Carácter: alegre, es decir, es de tono mayor.
Forma y estructura: tiene un compás de cinco por cuatro. La introducción comienza con la batería y el piano. Luego se incorpora el saxofón. El saxofón es el instrumento predominante y hace un solo. Acto seguido, hay una llamada y respuesta. Después hay un solo de batería mientras el piano continua con la melodía. Luego vuelven a la melodía principal.
Características: predomina el ritmo.
Hay una llamada y respuesta. 
Es una melodía clara y limpia.
Los instrumentos predominantes son: el saxofón, la batería, el piano,...
Marco social,cultural o histórico: fue lanzada en 1959 y se convirtió en un gran clásico del Jazz.
Dave Brubeck fue uno de los representantes del cool  jazz y uno de los músicos de jazz más populares. 

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Análisis de 'Tutti Frutti' de Little Richard

Obra y autor: Tutti Frutti de Little Richard.
Género: instrumental y vocal, es decir, es mixto.
Estilo: rock 'n' roll.
Formación: solista con acompañamiento musical. 
Movimiento: presto.
Dinámicas: la intensidad y el volumen aumentan a lo largo de la canción.
Carácter: alegre, es decir, es de tono mayor.
Forma y estructura: Little Richard comienza su canción una parodia de una onomatopeya. Acto seguido, hay una estrofa y el estribillo. Luego se vuelve a repetir la estrofa y el estribillo. Hay un solo de saxofón.
Características: predominan el ritmo y la melodía.
El tempo es muy rápido. Al inicio de la canción Richard hace una onomatopeya, típicas del rock 'n' roll. 
Es una melodía de dibujo ondulante.
Predominan la batería, el piano, el saxofón,...
La voz es masculina y aguda.
El texto de la canción está en inglés y habla sobre una chica llamada Sue a la cual ama.
Marco social,cultural o histórico: fue grabada en 1955 y se convirtió en uno de los diferentes modelos del rock and roll. 

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Análisis de 'Johnny B Goode' de Chuck Berry

Obra y autor: Johnny B Goode de Chuck Berry.
Género: instrumental y vocal, es decir, es mixto.
Estilo: rock 'n' roll.
Formación: solista con acompañamiento musical.
Movimiento: allegro.
Dinámicas: la intensidad aumenta, al igual que el volumen en algunos momentos de la canción.
Carácter: alegre, es decir, es de tono mayor.
Forma y estructura: hay un compás de cuatro por cuatro. En la introducción hay un riff de la guitarra eléctrica. Luego hay un estribillo y, acto seguido, una estrofa. Después hay una llamada y respuesta entre la guitarra y el piano.
Características: predomina el ritmo y la melodía.
Hay un compás de cuatro por cuatro. Al inicio de la canción hay un riff y hay una llamada y respuesta.
Es una melodía de dibujo ondulante.
Predominan la guitarra, la batería el piano, el saxofón y el contrabajo.
La voz es masculina.
El texto de la canción está en inglés y habla sobre un chico que tocaba la guitarra.
Marco social, cultural o histórico: fue publicada en 1958 y forma parte de la época de rock 'n' roll.

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