The Velvet Underground

The Velvet Underground es una banda de rock que ha sido formada en 1964 en Nueva York (Estados Unidos).

La historia de la banda comienza cuando Lou Reed (composición, voz, guitarra, piano y armónica) y John Cale (bajo, viola eléctrica, órgano y coros) deciden formar una banda con el nombre de The Primitives. Más tarde, se incorporaron Sterling Morrison (guitarra y bajo) y Angus McLise (percusión) al grupo. Con ellos, nace The Warlocks que un tiempo después terminan siendo The Falling Spikes. Finalmente, extraen un nuevo nombre del título de un libro y terminan siendo The Velvet Underground. 

Lou Reed.

Un año más tarde, graban una demo y aceptan un contrato para tocar de teloneros de otra banda. McLise no estaba de acuerdo con eso y abandonó la banda. Su lugar lo acaba ocupando Maureen Tucker. Por otra parte, Andy Warhol se convierte en el productor del grupo y gracias a él consiguen un mayor reconocimiento y firman con la discográfica Verve Records.


La banda se convierte en un grupo conocido por su sonido psicodélico particular y a sus letras, que hablaban de temas como el sadomasoquismo, el travestismo y la adicción a la heroína. 

John Cale.

Tras un tiempo, Andy les sugiere que toquen en conjunto con la cantante alemana Nico. Los integrantes del grupo aceptan y pasan a llamarse The Velvet Underground And Nico.

En 1966, McLise regresa al grupo para tocar en algunos conciertos debido a que Lou Reed se encontraba enfermo de hepatitis. 

Un año más tarde lanzan su álbum debut llamado: "The Velvet Underground and Nico". La portada del disco fue diseñada por Warhol, quien además filmó a la banda ensayando con el resultado de una película llamada: "The Velvet Underground & Nico: A Simphony of Sound".

Poco tiempo después, Lou Reed se pelea con Warhol y con Nico, con lo que la sociedad queda truncada.

Maureen Tucker.

Sterling Morrison.

En 1969, Reed y Cale discutieron lo que hizo que el grupo se separe. Todos votaron para que Reed se quede y Cale, decide alejarse de la banda y es reemplazado por el bajista Doug Yule.

En 1970, Maureen Tucker se encontraba ausente debido a su embarazo y tuvo que ser reemplazada en los estudios por Doug Yule, Adrian Barber, Tommy Castanaro y Billy Yule.

A finales de año, Lou Reed se separa de la banda y en 1971, Sterling Morrison también se aleja de la banda. Es entonces cuando Doug Yule toma el liderazgo del grupo.

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Curiosidades sobre The Velvet Underground

En The Velvet Underground, cada vez había más tensión por la poca atención del público. Además Lou Reed sentía envidia hacia John Cale por el gran talento que él tenia. John Cale estudiaba música clásica y había compuesto por primera vez a los ocho años. Reed, lo que hizo fue preguntarles a los demás componentes del grupo, lo siguiente: "¿Cale o yo?". Ya os podéis imaginar la respuesta si el que ocupó el puesto de Reed fue Doug Yule.

Doug Yule.

El grupo volvió a reunirse en 1993 e hicieron varias veces de teloneros para U2. Antes de que la banda tuviera la oportunidad de grabar un disco, John Cale y Lou Reed volvieron a separar la banda. 
Una famosa frase que resume de forma clara la enorme influencia de The Velvet Underground en el rock es la siguiente de Brian Eno: "Pocos escucharon a The Velvet Undeground, durante su corta existencia, pero todos los que lo hicieron formaron una banda."



The Velvet Underground tuvieron que compartir cartel con Frank Zappa & The Mothers Of Invention. Las pretensiones de ambos chocaron frontalmente y desde entonces, Lou Reed de Zappa dijo que era la única persona sin talento que había conocido. 

John Cale y Lou Reed.

Nico dijo que tenía cosas más importantes que hacer. Sin embargo, cuando la banda actuó en Boston, Nico, arrepentida de su decisión, apareció a pie de camerino justo cuando The Velvet Underground tocaba la última canción y quiso subir a cantarlo, pero el grupo se negó y aquí se acabó definitivamente la relación entre ambas partes.

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Marte, el portador de la guerra de Gustav Holst

Esta composición musical fue presentada en 1918 por Gustav Holst. Es la obra más conocida de este compositor, ademas ha sido muy utilizada en series y películas. Esta composición refleja de manera magistral el poderío de las guerras.

Gustav Holst es un compositor inglés de origen sueco. Discípulo de Charles Villiers Stanford en el Colegio Real de Música londinense, llegó a ser, como su maestro, un apasionado folklorista. Luego de haber sido músico de orquesta durante algún tiempo, a partir de 1903 se dedicó a la enseñanza, actividad que ejerció primero en Dulwich, más tarde en el "Morley College", y, finalmente, como maestro de composición, en el Colegio Real de Música.

Es el autor de una de las páginas más interpretadas y grabadas del repertorio: Los planetas, que en cierto sentido ha oscurecido, si no eclipsado totalmente, el resto de su producción. Mostró durante toda su vida un creciente interés por la filosofía y la cultura hindúes, que inspiraron algunas de sus composiciones más importantes, como la ópera de cámara Savitri, que llegaría a ejercer una profunda influencia en los compositores más jóvenes, con Benjamin Britten a la cabeza. 

Los planetas, pieza que ha inmortalizado el nombre de Gustav Holst, se abre con los violentos y apocalípticos acordes de Marte, el portador de la guerra, movimiento en forma de marcha que, en el momento del estreno (1918), fue considerado una alusión a la Primera Guerra Mundial. Otros seis más, dedicados a otros tantos planetas (Venus, Mercurio, Júpiter, Saturno, Urano y Neptuno) completan esta suite en la que su autor expresó su pasión astrológica. Compuesta entre 1914 y 1918. Los planetas es una obra desarrollada en forma de poema sinfónico, con precisas referencias literarias: se interpreta el significado esotérico ritual de cada planeta, a menudo diverso de la imagen mitológica. Marte aparece como portador de la guerra y Mercurio como mensajero alado; pero Venus es portadora de la paz, y sobre todo Júpiter es portador de alegría, en un sentido casi dionisíaco; Neptuno es el místico que acompaña a Saturno, portador de la vejez, y a Urano el mago.

Holst redujo la copiosa materia de una antigua leyenda hindú al núcleo temático del amor que vence a la muerte, subrayando el carácter místico-emotivo de la leyenda, y aplicó su criterio de simplificación a toda la redacción de la partitura: desde las proporciones del "conjunto instrumental" de la orquesta (la obra es, en efecto, presentada como "poema para tres voces y coro invisible con acompañamiento de un doble cuarteto de cuerda, siete flautas y corno inglés") hasta la sencillez de la interpretación musical, que dio a la obra una real eficacia poética.

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Bolero de Maurice Ravel

Esta composición musical fue creada por Maurice Ravel, un compositor francés, en 1928. Fue estrenada en París el 28 de noviembre de 1928. 
Es un movimiento orquestal inspirado en una danza española, se caracteriza por un ritmo y tempo invariables, con un ostinato en do mayor que se repite en un crescendo que se acaba con una modulación a mi mayor y una coda escandalosa.

Esta obra tiene una gran originalidad y es una de las obras musicales más interpretadas del mundo.

Maurice Ravel es el gran representante de la moderna escuela musical francesa. Es conocido por Bolero, su obra más conocida. Stravinsky lo definió con acierto como "el más perfecto relojero de todos los compositores".

Inició sus estudios musicales a una edad relativamente tardía, cuando contaba siete años, siete más tarde, en 1889, fue admitido en el Conservatorio de París, donde recibió las enseñanzas, entre otros, de Gabriel Fauré.

Su interés se centró pronto en la composición, campo en el que dio muestras de una gran originalidad desde sus primeros trabajos, como la famosa Pavana para una infanta difunta.

Personaje complejo, en él convivían dos tendencias contrapuestas y complementarias: el placer hedonista por el color instrumental y una marcada tendencia hacia la austeridad que tenía su reflejo más elocuente en su propia vida, que siempre se desarrolló en soledad, al margen de toda manifestación social, dedicado por entero a la composición. Sus dos conciertos para piano y orquesta, sombrío el primero en re menor, luminoso y extrovertido el segundo en Sol mayor, ejemplifican a la perfección este carácter dual de su personalidad.

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Análisis de 'Take five' de Dave Brubeck

Obra y autor: Take five de Dave Brubeck
Género: instrumental.
Estilo: Jazz.
Formación: orquesta sinfónica. 
Movimiento: allegro.
Dinámicas: la intensidad y el volumen aumentan y disminuyen a lo largo de la canción.
Carácter: alegre, es decir, es de tono mayor.
Forma y estructura: tiene un compás de cinco por cuatro. La introducción comienza con la batería y el piano. Luego se incorpora el saxofón. El saxofón es el instrumento predominante y hace un solo. Acto seguido, hay una llamada y respuesta. Después hay un solo de batería mientras el piano continua con la melodía. Luego vuelven a la melodía principal.
Características: predomina el ritmo.
Hay una llamada y respuesta. 
Es una melodía clara y limpia.
Los instrumentos predominantes son: el saxofón, la batería, el piano,...
Marco social,cultural o histórico: fue lanzada en 1959 y se convirtió en un gran clásico del Jazz.
Dave Brubeck fue uno de los representantes del cool  jazz y uno de los músicos de jazz más populares. 

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Análisis de 'Tutti Frutti' de Little Richard

Obra y autor: Tutti Frutti de Little Richard.
Género: instrumental y vocal, es decir, es mixto.
Estilo: rock 'n' roll.
Formación: solista con acompañamiento musical. 
Movimiento: presto.
Dinámicas: la intensidad y el volumen aumentan a lo largo de la canción.
Carácter: alegre, es decir, es de tono mayor.
Forma y estructura: Little Richard comienza su canción una parodia de una onomatopeya. Acto seguido, hay una estrofa y el estribillo. Luego se vuelve a repetir la estrofa y el estribillo. Hay un solo de saxofón.
Características: predominan el ritmo y la melodía.
El tempo es muy rápido. Al inicio de la canción Richard hace una onomatopeya, típicas del rock 'n' roll. 
Es una melodía de dibujo ondulante.
Predominan la batería, el piano, el saxofón,...
La voz es masculina y aguda.
El texto de la canción está en inglés y habla sobre una chica llamada Sue a la cual ama.
Marco social,cultural o histórico: fue grabada en 1955 y se convirtió en uno de los diferentes modelos del rock and roll. 

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Análisis de 'Johnny B Goode' de Chuck Berry

Obra y autor: Johnny B Goode de Chuck Berry.
Género: instrumental y vocal, es decir, es mixto.
Estilo: rock 'n' roll.
Formación: solista con acompañamiento musical.
Movimiento: allegro.
Dinámicas: la intensidad aumenta, al igual que el volumen en algunos momentos de la canción.
Carácter: alegre, es decir, es de tono mayor.
Forma y estructura: hay un compás de cuatro por cuatro. En la introducción hay un riff de la guitarra eléctrica. Luego hay un estribillo y, acto seguido, una estrofa. Después hay una llamada y respuesta entre la guitarra y el piano.
Características: predomina el ritmo y la melodía.
Hay un compás de cuatro por cuatro. Al inicio de la canción hay un riff y hay una llamada y respuesta.
Es una melodía de dibujo ondulante.
Predominan la guitarra, la batería el piano, el saxofón y el contrabajo.
La voz es masculina.
El texto de la canción está en inglés y habla sobre un chico que tocaba la guitarra.
Marco social, cultural o histórico: fue publicada en 1958 y forma parte de la época de rock 'n' roll.

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Análisis de 'Jailhouse Rock' de Elvis Presley

Obra y autor: Jailhouse Rock de Elvis Presley.
Género: instrumental y vocal, es decir, mixto. 
Estilo: rock 'n' roll.
Formación: solista con acompañamiento musical.
Movimiento: allegro.
Dinámicas: la intensidad aumenta en algunos momentos de la canción pero el volumen es bastante constante.
Carácter: alegre, es decir, tiene un tono mayor.
Forma y estructura: la introducción tiene swing y la guitarra eléctrica hace un riff. Hay una estrofa y luego canta el estribillo. Acto seguido, vuelva a cantar la estrofa. La canción entera tiene la misma estructura. Después, hay un solo de guitarra y se vuelve a repetir la canción.
En la parte final hay una coda. 
El compás es de cuatro por cuatro. 
Características: predomina el ritmo y la melodía.
Hay un compás cuaternario. La canción comienza con el swing y el riff de la guitarra eléctrica. 
Es una melodía de dibujo ondulante.
Los instrumentos predominantes son: el saxofón, el contrabajo, el piano, la guitarra eléctrica,...
La voz es masculina.
La temática de la canción es la cárcel pero con un poco de humor. La letra está en inglés.
Marco social, cultural o histórico: fue escrita en 1957  y la temática es la cárcel pero Elvis Presley le da humor a la canción. 

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Análisis de 'El hombre y la Tierra' de Antón García Abril

Obra y autor: El hombre y la Tierra de Antón García Abril.
Género: instrumental.
Estilo: música de cámara.
Formación: orquesta sinfónica.
Movimiento: presto.
Dinámicas: la intensidad aumenta, al igual que el volumen.
Carácter: alegre, es decir, es de tono mayor. También tiene un carácter misterioso. 
Forma y estructura: hay una introducción, una llamada y respuesta y una improvisación. El compás es de cinco por cuatro.
Características: predomina la melodía. 
Hay un compás de cinco por cuatro.
Hay una introducción de carácter misterioso. Se pueden escuchar instrumentos de viento (flauta travesera) y un redoble de timbal. Acto seguido, aumenta la intensidad y empieza la melodía. Hay una llamada y respuesta dentro de la melodía. Después hay una improvisación. 
El tempo es rápido.  
Es una melodía fluida.
Podemos escuchar flautas, trompetas, una batería, carrillones,...
Marco social, cultural o histórico: esta sinfonía fue hecha en 1974. 
Antón García Abril fue catedrático de composición y formas musicales del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.

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Análisis de 'Another brick in the wall" del grupo Pink Floyd

Obra y autor: Another brick in the wall de Pink Floyd.
Género: instrumental y vocal, es decir, es mixto.
Estilo: funky rock.
Formación: grupo de cámara.
Movimiento: allegro.
Dinámicas: la intensidad cambia en el estribillo, al igual que el volumen.
Carácter: alegre, es decir, es de tono mayor.
Forma y estructura: hay una introducción y unas improvisaciones. Es un compás de cuatro por cuatro.
Características: predomina la melodía.
Hay un compás cuaternario. 
Destacan una voz masculina aguda y el coro de los niños.
Es una melodía discontinua. 
Destacan el bajo eléctrico, la batería, la guitarra eléctrica, etc...
La canción critica la educación.
Marco social, cultural o histórico: esta canción de funky rock, hace una crítica a la educación.
Pink Floyd tienen varias canciones haciendo críticas a la sociedad, como por ejemplo, la canción llamada Money. Esta canción es de los años 70, aproximadamente. 

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Análisis de 'Money' del grupo Pink Floyd

Obra y autor: Money de Pink Floyd.
Género: instrumental y vocal, es decir, mixto.
Estilo: rock sinfónico. 
Formación: grupo de cámara.
Movimiento: andante.
Dinámicas: la intensidad es bastante constante y el volumen cambia en el estribillo.
Carácter: alegre, es decir, es de tono mayor.
Forma y estructura: hay un compás de siete por cuatro. Al inicio de la canción se escucha una caja registradora, que hace una introducción junto al bajo eléctrico. Después de la improvisación del saxofón, aumenta el tempo. 
Características: predomina la melodía. 
Hay un compás de siete por cuatro. El bajo eléctrico hace un oscinato.
Es una melodía clara y limpia.
Se escuchan un bajo, una batería, un saxofón, una guitarra,...
Hay una voz masculina aguda que es acompañada por los instrumentos.
Es una critica a la riqueza de todo el mundo.
Marco social, cultural o histórico: esta canción de Pink Floyd es rock sinfónico y es una critica a la riqueza de nuestra sociedad. 
Esta canción es del año 1973 y pertenece al álbum: "The dark side of the moon".
La letra de la canción es inglesa. 

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Análisis de 'Wade in the water'

Obra y autor: Wade in the water y es una canción anónima.
Género: instrumental y vocal, es decir, mixto.
Estilo: canción espiritual, que eran cantos cristianos.
Formación: grupo de cámara, que son los esclavos.
Movimiento: andante
Dinámicas: el volumen aumenta en el estribillo.
Carácter: alegre, es decir, es de tono mayor.
Forma y estructura: utilizan la sincopa y las notas a contratiempo. Hay una polifonía espontánea.
Características: predomina la melodía.
Hay una melodía fluida.
Destacan la guitarra, acompañando las voces; y la voz femenina, que es una voz afinada. La voz masculina es rasgada.
Es una canción de tema religioso que habla sobre la liberación y la esperanza. 
Hay una estrofa repetitiva y una melisma, es decir, hay una sílaba musical que cambia la altura mientras es cantada. 
Marco social, cultural o histórico: es una canción espiritual que en su época era cantada por los esclavos. Tiene un tema religioso. 
Estos cantos cristianos surgieron en el sur de Estados Unidos en el siglo XVIII.

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Análisis de Hammer ring (work song)

Obra y autor: Hammer ring y es una canción anónima.
Género: vocal.
Estilo: work song o canto de trabajo, que es un estilo antecesor del blues.
Formación: grupo de cámara, en este caso, son los prisioneros de una cárcel de Texas. 
Movimiento: adagio.
Dinámicas: utilizan la misma intensidad y no hay cambios de volumen. Tiene una pulsación regular para mantener el ritmo del trabajo. 
Carácter: es de tono menor, es decir, es triste.
Forma y estructura: en esta canción predomina la llamada y respuesta. Hay una estructura y forma muy regular ya que eso les ayudaba a llevar el ritmo del trabajo. 
Características: predomina la melodía.
Hay un compás cuaternario, el ritmo siempre es el mismo. La voz principal que predomina es la que todos repiten,  haciendo la llamada y respuesta.
Es una melodía muy clara y limpia.
No hay ningún instrumento puesto que el ritmo lo hacen con los instrumentos de trabajo.
Todas las voces son masculinas.
La letra habla sobre Dios y la Biblia. Esta letra les ayudaba a trabajar mejor.
Marco social, cultural o histórico: es una canción perteneciente a las work songs, estilo antecesor del blues. 
Esta canción es utilizada para sobrellevar la monotonía del trabajo. 

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Análisis de I'm tore down del artista Eric Clapton

Obra y autor: I'm tore down de Eric Clapton.
Género: es un género mixto entre instrumental y vocal.
Estilo: Blues.
Formación: grupo de cámara.
Movimiento: andante.
Dinámicas: en el estribillo hay un cambio de intensidad y de volumen, es decir, la intensidad aumenta.
Carácter: es de tono menor, es decir, es de carácter triste.
Forma y estructura: esta canción tiene una estrofa repetitiva. Es utilizada la rueda del blues. 
Características: predomina el ritmo. Podemos escuchar la escala pentatónica, típica del blues. La guitarra hace una improvisación, al igual que la llamada y respuesta. 
Predomina una voz masculina y rota.
Los acordes son repetitivos y los marca el bajo. Es una melodía fluida.
Predominan el piano, la guitarra, el bajo, la batería,... 
Es una canción en inglés y a pesar del ritmo un tanto "alegre" tiene una letra muy triste. Eric en esta letra expresa su depresión, que se derriba. 
Marco social, cultural o histórico: la obra pertenece al blues. En esta canción Eric Clapton muestra su tristeza, como por ejemplo, con la frase: "Me derribó, estoy casi al nivel del suelo".
El blues procede de la música africana occidental y fue llevado a Estados Unidos por los esclavos. 

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Little Richard, un gran artista del Rock and Roll

Richard Wayne Penniman, más conocido como Little Richard, nació el 5 de diciembre de 1932 en Macon (Georgia, Estados Unidos). Fue el tercer hijo de un total de doce hermanos.

Es hijo de Leva Mae Stewart y Charles Penniman. Su padre fue diácono y dueño de un club nocturno. En cambio, su madre formaba parte de la New Hope Baptist Church de Macon. Se crió en Pleasant Hill, un barrio pobre de Macon. Le apodaron Lil' Richard debido a su baja estatura y su delgadez. Comenzó a cantar en la iglesia a una edad temprana. Pero, a pesar de todo eso, se convirtió en un gran pianista.

Richard ganó un concurso de talentos, que le ayudó a firmar su primer contrato con una discografía llamada RCA, donde solamente grabó dos singles. Trabajaba de lavaplatos en una estación de autobuses cuando grabó una demo en una cinta y la envió a la discográfica Specialty Records de Los Ángeles. Pero, Tutti Frutti fue la canción que le llevó al éxito. 

Little Richard de jóven.

En 1957, aparece en dos películas The Girl Can't Help It protagonizada por Jayne Mansfield y Don't Knock The Rock con Bill Haley. En 1958, se proclamó sacerdote de la iglesia adventista del Séptimo Día en el Oakwood Theological College en Huntsville, Alabama. A partir del año 1959 hasta 1962 estuvo grabando canciones gospel para el sello Mercury. 

En 1962, realizó una gira por Reino Unido. Un año después, volvió a ir de gira por Reino Unido junto a los Beatles, Rolling Stones y los Everly Brothers. En 1964, le contratan en Vee Jay y es cuando graba sus grandes éxitos. En 1976, fallece su hermano Tony y, debido a eso vuelve a la iglesia para predicar.

En 1985, apareció en la película Down and Out in Beverly Hills y tuvo otro éxito con la canción titulada: "Great Gosh A Mighty". En 1986 entra en el Rock and Roll Hall of Fame. En el año 1944, recibe el premio Pioneer Award del Rhythm  & Blues Foundation. Por otra parte, aparece en el LP de Elton John titulado: "Duets". 

Little Richard junto al micrófono típico de la época.

En 1956, comienza una relación sentimental con Aubrey Robinson que tenía 16 años. Segun Little Richard, Aubrey invitó a otros hombres a tener relaciones sexuales en grupo. Terminaron su relación en 1957. Conoció a su esposa en una manifestación evangélica en octubre de 1957, llamada Ernestina Campbell. Se casaron en junio de 1959 y se divorciaron en 1963 debido a la fama de Richard. En 1962, adoptó a un niño llamado Danny Jones, que se convirtió en su guardaespaldas. 

Richard vestido más afeminado. 

Richard afirmó que de pequeño se sentía femenino y prefería jugar con las niñas. Se maquillaba con el maquillaje de su madre por lo que fue castigado por su padre. Mantuvo relaciones con ambos sexos en su adolescencia y debido a sus gestos afeminados, su padre le echó de casa. En 1962 fue arrestado por espiar a los hombres mientras orinaban en una estación de autobuses de California. En 1995, fue cuando afirmó que era homosexual en la revista Penthouse.

Y debido a estas cosas, consiguió ser una leyenda del Rock and Roll. 

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Curiosidades sobre Little Richard

Little Richard, uno de los artistas más importantes del Rock and Roll, tiene una gran variedad de curiosidades, como las que os voy a dejar por aquí: 

• Little Richard fue una gran influencia para los Beatles y los Rolling Stones. Él fue el primer ídolo de Mick Jagger. Por otra parte, Paul McCartney afirmó que la primera canción que tocó en publico fue: "Long tall Sally". A mediados de los años setenta, John Lennon versionó Rit it up y Slippin' and slidin. 
• Escribió unos versos en una servilleta para James Brown (un conocido artista del Soul). James puso el nombre a su canción: "Please, please, please" después de que Little Richard le escribiera esos versos.
• Little Richard es un artista muy carismático y, hasta el 2013 ha seguido dando conciertos.
• En varios libros comentan que Little Richard tenia una relación de amor-odio con su homosexualidad. Una famosa frase suya es: "El rock es malo porque hace que tomes drogas, y las drogas te convierten en homosexual".
• Durante la primera mitad de los años cincuenta, la carrera de Little Richard no conseguía despegar y sus productores le aconsejaron que tocara R&B. Pero eso no funcionó puesto que Little Richard se dejaba llevar por las influencias del mundo, como su alocado lado homosexual y el mundo travesti.
• Un día, se cansó de estar encerrado en la sala de grabación intentando grabar algo decente y decidió desahogarse escribiendo una canción llamada: "Tutti Frutti". Por su ritmo alocado y su letra abiertamente gay, jamás se le ocurrió publicarlo en vinilo. Hasta que, decidió cantar la canción con su carácter salvaje tocando el piano. Después de eso, eliminaron las referencias al sexo anal de la canción y publicaron la canción. Tutti Frutti acabó siendo un exitazo. 

Little Richard junto a Los Beatles.

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La historia de Led Zeppelin

Led Zeppelin es un gran grupo de rock que surgió a finales de los años 60 en Reino Unido. Este grupo deriva de la banda  The Yardbirds. 
Jimmy Page nació el 9 de enero de 1944 en Heston, Middlesex (Reino Unido) y ya había sido músico antes de incorporarse a los Yardbirds.

Jimmy Page, guitarrista del grupo.

En varias de las grabaciones de este grupo, Jimmy coincidió con el bajista y teclista John Paul Jones (que nació el 3 de enero de 1946 en Londres). Jimmy también había coincidido con John Bonham, que es el batería del grupo, en el tema Hurdy Gurdy Man. John nació el 31 de mayo de 1947 en Redditch (Inglaterra).

Cuando Dreja abandonó el grupo, Jones pensó en formar una nueva banda añadiendo al dúo un cantante y un batería. Reid, le recomendó a un chico desconocido llamado Robert Plant (nació el 20 de agosto de 1948 en West Bromwich, Reino Unido) y es vocalista. 

El cuarto componente de los New Yardbirds fue Bonham, que también fue un íntimo amigo de Robert Plant.

Jimmy Page, el guitarrista del grupo, decidió poner de nombre al grupo Led Zeppelin, que definía el destino de la banda con la sensación de ir montados en un globo de plomo.

John Paul Jones, bajista del grupo.

Publicaron su primer disco llamado Led Zeppelin en 1969. Grabaron el álbum en treinta días y fue producido y arreglado por Jimmy Page. 

Los géneros que este grupo toca es el blues-rock, folk, psicodelia y hard rock, como podemos escuchar en su tema Babe, I'm Gonna Leave You.

En 1969, también publicaron Led Zeppelin II, que alcanzó el puesto número uno en los Estados Unidos y en Gran Bretaña con temas como Whole Lotta Love.

En 1970, publicaron Led Zeppelin III. En este álbum, podemos empezar a escuchar sus raíces folk. Este disco, también les llevaron a las mejores listas de ventas del mundo.
Desde entonces, comenzaron sus actitudes de rock star. Eva Von Zeppelin, prohibió al grupo actuar en Dinamarca ya que, según ella, no hacían más que gritar. Actuaban bajo el nombre de Nods.
En 1975, sacaron su disco Led Zeppelin IV, que es uno de sus trabajos más importantes. En este álbum predominan los géneros hard rock, folk y blues. Es en este disco donde sacan sus temas más conocidos, como Black Dog o Stairway to heaven.

John Bonham, batería del grupo.

En 1973, publicaron su álbum Houses of the holy. En este álbum destacan sus temas con rasgos funk y reggae. Este disco, hizo que les declararan la banda de rock más importante del planeta en los años 70, junto a los Rolling Stones.
En 1975, publicaron su disco llamado Physical Graffiti. Se caracteriza por ser un álbum más experimental. Las canciones que destacan de este álbum son Kashmir, Custard Pie o Trampled Under Foot. 
El 4 de agosto de 1975 Robert Plant y su mujer Maureen Wilson, sufrieron un accidente de coche muy grave, lo que hizo que la banda tenga giras más discontinuas. 
En 1976 publicaron su disco The Songs Remains The Same y grabaron una película con el mismo nombre.
Este mismo año, publicaron su disco Presence, que no tuvo tanto éxito como sus demás discos. Destacan canciones como Achilles last stand y Nobody's fault but mine.
Robert Plant entró en una depresión tras la muerte en 1977 de su hijo Karac, de seis años.

Robert Plant, vocalista del grupo.

En 1980, John Bonham murió ahogado en su propio vomito en casa de Jimmy Page tras una borrachera.
En 1982 publicaron su disco Coda que contenía un material de archivo. Tras este disco, el grupo se separó.
Tras unos años, en 1989, volvieron a la discografía y publicaron su disco In through the out door que incluye canciones como All my love o In the evening.
No obstante, volvieron a separarse y siguieron sus carreras en solitario. Varios años después volvieron y grabaron los discos No Quarter (1994) y Walking into Clarksdale (1998).

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Curiosidades sobre Led Zeppelin

Led Zeppelin, un grupo de rock fundado en 1968 formado por cuatro componentes, tiene una gran historia y una gran cantidad de curiosidades. Aquí, podéis leer algunas de las mejores curiosidades:

• En una cabaña abandonada de Snowdonia (Gales), que una vez fue propiedad de Robert Plant, se compuso la mayor parte del disco Led Zeppelin III. 
• En una mansión de Hampshire que estaba en ruinas, cerca de la granja de John Bonham, se escribió gran parte del cuarto disco sin título. En uno de sus salones, fue escrita su canción Stairway to Heaven y bajo las escaleras, grabaron la batería de When the Levee Breaks.
• Robert Plant grabó una película llamada The Song Remain the Same en un castillo de Gales.
• Lori Maddoxt tuvo una relación con Jimmy Page cuando ella solo tenía 14 años. Lo llevaban en secreto puesto que Jimmy no quería ser arrestado por estar con una menor de edad. 
• El símbolo de John Bonham es un bonzo, que es el símbolo de la trinidad. 
• El símbolo de John Paul Jones es utilizado para conjurar a los espíritus malignos. 
• El símbolo de Robert Plant es una pluma en un círculo, que significa valentía.
• El símbolo de Jimmy Page es un símbolo que sólo él sabe lo que significa, puesto que él es ocultista. Nadie sabe su verdadero significado. 
• John Bonham tiene una hermana pequeña que también se dedica a la música, se llama Deborah Bonham. Desde la muerte de su hermano, con ayuda de Robert, consiguió su primer contrato en el mundo de la música. 

Los símbolos de los componentes de Led Zeppelin. 

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La vida de Eminem

Marshall Bruce Mathers nació el 17 de octubre de 1973 en Kansas City (Estados Unidos). Su infancia no fue fácil, puesto que su padre abandonó su casa cuando el apenas tenía 6 meses. Tuvo una infancia muy ajetreada porque realizó varias mudanzas, eso es lo que llevo a Marshall Mathers a tener una adolescencia muy difícil. A los doce años, se mudó con su madre Deborah Marshall-Briggs a Detroit (Michigan, EEUU) donde vivían en una caravana.  

 

Marshall Bruce Mathers de pequeño.

Tuvo una relación muy conflictiva con su madre. Él la acosaba de mentirosa y drogadicta, mientras que ella, decía que le dio demasiados mimos puesto que estuvo viviendo en su casa hasta los 25 años. Marshall no podía aguantar el hecho de que su madre no encontraba un trabajo estable.

Eso hizo que Marshall estuviese más apegado a su abuela, Betty Kresin. 

Eminem con su madre Deborah.

A principios de los años noventa, su tío Ronnie, tenía una mente depresiva y acabó suicidándose. Cuando eso ocurrió, Deborah culpó a Marshall de la muerte de Ronnie, lo que hizo que la relación entre ellos dos empeorara. 

A los catorce años, Eminem conoció a su novia Kimberley Anne Scott, con la que siempre tuvo grandes discusiones pero acababan reconciliándose. En 1996 tuvieron a su hija llamada Hailie Jade Mathers. Y, en junio de 1999, Marshall y Kim pasaron de ser pareja a ser marido y mujer. Ese matrimonio no duró mucho ya que Eminem pidió el divorcio en agosto de 2000. Como de costumbre, acabaron reconciliándose otra vez. En marzo del 2001, Kim pidió el divorcio. Después de eso, Marshall luchó hasta conseguir la custodia de su hija. 

Eminem y su hija Hailie.

Eminem comenzó a rapear en sus años escolares. A los 14 años dejó la escuela y se unió a bandas locales como: Basement Productions, The New Jacks o D12. En 1996 publicó su primer disco llamado Infinite. Ese disco no recibió unas buenas criticas puesto que decían que imitaba a otros raperos de esa época. Tiempo después, ganó el festival anual de hip hop Wake Up Show y quedó segundo en las Olimpiadas del Rap en Los Ángeles. 

En 1997, lanzó su segundo disco llamado The Real Slim Shady EP. En comparación con el primero, este disco tuvo más éxito y se pudo observar su estilo ya que criticaba a las discográficas que no le contrataron.

En 1999, consiguió una oportunidad de sacar un disco con una discográfica muy importante llamada Interscope. El disco se llamaba The Real Slim Shady LP. Este mismo año fue cuando le descubrió Dr. Dre; y Eminem, al fin, tuvo su salto a la fama. 

De izq, a dcha. Dr. Dre, Snoop Dogg, Ice Cube y Eminem.

Cuando en mayo del año 2000 lanzó su siguiente disco, The Marshall Mathers LP, logró ser conocido a nivel mundial como uno de los primeros raperos blancos. Pero, no tuvo tanta suerte en su vida personal, ya que tuvo que llevar un control estricto de drogas y la asistencia continuada de un psicólogo. 

En 2002, publicó su disco The Eminem Show, que obtuvo el número uno en ventas. También ganó un Oscar a la mejor canción por la banda sonora de su película Ocho Millas, estrenada ese mismo año. Es una autobiografía de Eminem en la que podemos observar mejor los conflictos con su madre, la vida que llevaba, etc... 

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